Cubadebate

Una ciudad postapocalíptica, donde la naturaleza retoma el control entre los edificios destruidos. Restos humanos ocasionales que sirven de indiferente entretenimiento a tres robots errantes. Las conversaciones versan mayoritariamente sobre sus antiguos creadores, sus aportes y comportamientos incomprensibles. Mentes increíbles que inventaron la inteligencia artificial pero que también, según el autómata con voz femenina al observar un gato, “tenían toda una red que estaba pensada para desperdigar fotos de esas cosas” y en definitiva, se autoaniquilaron sin necesidad de una guerra nuclear.

Esta es solo una de las historias recreadas en marzo del 2019 como parte del proyecto surgido entre David Fincher y Tim Miller, también director y fundador de Blur Studio, compañía especializada en efectos visuales. “Amor, muerte y robots” (Love, death & robots) se nombró a la entrega de 18 capítulos difundidos por Netflix de temática diversa pero relacionada con al menos uno de los tres conceptos enunciados en el título. La inspiración partió de la película de 1981 “Heavy Metal”,  recreación animada y distópica del futuro, que a su vez se basa en la revista que con el mismo nombre publicaba relatos cyberpunk cargados de erotismo a los lectores de los ’70 y ‘80. Aunque tuvo no pocas críticas por la violencia y las escenas de sexo en varios capítulos, la serie en general recibió la aclamación de un público rendido a los pies de relatos únicos apoyados por increíbles técnicas de animación. De ahí que pronto se filmó otra temporada de ocho capítulos. Pero esta vez, quedó confirmada la sentencia de que segundas partes nunca fueron buenas.

La serie obtiene su principal inspiración de Heavy Metal, película a su vez basada en la famosa revista cyberpunk de los años ’70 y ’80.

¿Qué pudo pasar? Se mantuvieron los mismos realizadores, dibujantes e incluso repitieron varios escritores de ciencia ficción cuyos cuentos fueron recreados en la primera temporada. La última propuesta de Fincher y Miller, estrenada en mayo de este año, volvió a emplear el método de asignar un equipo diferente para cada capítulo. Primó de nuevo la variedad cualitativa y temática: algunos trabajos estuvieron mejor logrados, unos pocos cumplieron con al menos uno de los íconos del título mientras otros ni se acercan. Entonces, resulta complejo explicar por qué si se aplicó la misma fórmula, no se lograron los mismos resultados.

Rememorando a la primera temporada, nos encontramos con inmersiones en historias que van desde la comedia pasando por el vasto océano de la fantasía y la ciencia ficción hasta tocar los límites del horror. Así, si el primer capítulo, “La ventaja de Sonnie”, pudo parecer demasiado sangriento y brutal, otros como “El día que el yogurt tomó el poder” o “Tres robots” no dejan de arrancar sonrisas por sus mensajes irónicos. En materia de aporte argumental, sobresalió “Zima Blue”, hermosa adaptación de un cuento de Alastair Reynolds que paradójicamente también tiene la autoría de otro de los más flojos, “Más allá de Aquila”, visualmente impactante pero predecible y con muchas escenas sobrantes. Nudismo en ocasiones injustificado, absurdos universos paralelos que nos evitarían un Hitler o reiterativas historias sobre tropas militares. Todos los relatos tuvieron en común futuros distópicos y dejaron con ansias de más por su genial capacidad de entregar un conflicto convincente en pocos minutos.

Por su parte, la segunda temporada quiso en menos capítulos continuar la pluralidad temática. “Servicio automatizado al cliente” y “Refugio” (Life Hutch) abordan las leyes de la robótica de Asimov mientras que “Snow en el desierto” y “Respuesta evolutiva” (Pop Squad) versan sobre las bajezas humanas en la búsqueda de la inmortalidad. Estas últimas historias cuentan con amplias referencias a películas del tipo “Blade Runner”, “Equilibrium”, “Elysium” o la propia saga de Star Wars. Es decir, nada nuevo bajo el sol pues se mantienen a la sombra de otros. Lo mismo ocurre con “Por toda la casa”, versión más siniestra de la leyenda del Krampus y con evidentes guiños al octavo pasajero del Nostromo. “La hierba alta”, aunque salida del relato de Joe Lansdale, bebe ampliamente del estilo de Stephen King y termina siendo tan poco memorable como “Hielo”. Quizás la más metódica y reflexiva fue la adaptación del cuento de J.G. Ballard “El gigante ahogado”, pero se aleja demasiado del propósito primigenio de la serie.

En la segunda temporada se aborda un tema apenas tratado en la primera como las leyes de la robótica enunciadas por Isaac Asimov.

La animación se vuelve sin lugar a dudas el plato fuerte de esta propuesta. Para los que recuerden la presentación de “La chica del dragón tatuado”, trabajo de Tim Miller sobre el filme de Fincher, entenderán la importancia primordial que otorgan al golpe de efecto ambos realizadores. No puede menos que admirarse la diversidad de estilos en ambas temporadas. En la primera predominó la técnica del CGI (Imagen Generada por Computadora) usualmente para las historias más oscuras y violentas. También se empleó el típico sombreado en dos dimensiones, tanto la variante más común presente en “Buena cacería” como la edición preciosista de “Zima Blue” y su homenaje a las historietas tradicionales. En “El testigo” se combina además con novedosos programas como el Marvelous Designer para hacer más realistas los movimientos, mientras que en “La era del hielo” se filma en acción real.

La segunda temporada repitió los realizadores y por ende, resultan fácilmente identificables los capítulos asignados a cada cual. Robert Valley, usual colaborador en los videos del grupo Gorillaz y tras la revelación que fue “Zima Blue”, asume un trabajo inferior en argumento con “Hielo” pero de hermosa visualidad. El equipo de Unit Image, que tiene en su catálogo títulos del calibre de Call of Duty o God of War y creó en la anterior temporada “Más allá de Aquila”, repite en esta su intención de perfeccionar el realismo en sus entregas con “Snow en el desierto”, el capítulo más minucioso en ese sentido, aunque el propio Blur Studio no se quedó atrás con “Refugio” o “Respuesta evolutiva”.  En “Por toda la casa” se utiliza el stop motion para apoyar el estilo infantil del relato que termina convirtiéndose paradójicamente en uno de los más tenebrosos de la serie.

La animación se lleva las palmas por su realismo cautivante.

En definitiva, la animación se lleva todas las palmas, pero ello no resultó suficiente. En la segunda temporada, Fincher y Miller quisieron corregir los aspectos criticados de la primera: cambiaron el exceso de violencia y desnudos por giros más familiares e introspectivos e incorporaron la visión femenina de Jennifer Yuh Nelson (Kung Fu Panda) para dirigir “Respuesta evolutiva”. Pero en el afán por amoldarse más al gusto colectivo privaron a la serie de la audacia y el compromiso por sorprender.

Los nuevos capítulos de “Amor, muerte y robots” se convierten, al decir del filósofo que se compara con el gigante ahogado en la playa, en imitaciones diminutas e imperfectas. Si a la primera temporada le faltó moralidad, la segunda pecó por su ausencia de originalidad. Sin dudas sigue siendo una propuesta de gran atractivo, pero esta vez, si se logra ver más allá de los magníficos efectos, solo queda el vacío de la repetición.

Título: Love, Death + Robots. Vol. 2Año: 2021
País: Estados Unidos
Duración: 85 min.
Dirección: Tim Miller(Creador), Jennifer Yuh, Robert Valley, Meat Dept, Kevin Van Der Meiren, David Nicolas, Laurent Nicolas, Léon Bérelle. 
Guion: Historia:John Scalzi,Rich Larson,Paolo Bacigalupi,Neal Asher.
Género: Serie de TV. Animación. Acción. Ciencia ficción | Animación para adultos. Serie de antología.
Reparto: Animación.
Productora: Blur Studio, Atoll Studio, Passion Pictures Animation, Unit Image, Axis Animation, Blink Industries. Productor: David Fincher, Tim Miller. Distribuidora: Netflix.

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